10 Artisti Contemporanei Giapponesi Da Sapere
Chiho Aoshima
Un membro di Kaikai Kiki e il movimento Superflat (entrambi fondati dal leggendario artista giapponese Takashi Murakami), Chiho Aoshima è noto per le sue fantastiche creature pop e paesaggi urbani. Autodidatta che ha iniziato a lavorare con l'arte grafica nella fabbrica di Murakami, Aoshima crea paesaggi surreali abitati da fantasmi, demoni, giovani donne ed elementi della natura. Le sue opere sono in genere di grandi dimensioni e stampate su carta con materiali come la pelle e la plastica, per la consistenza. Nel 2006, Aoshima ha prodotto City Glow, Mountain Whisper (2006) presso la stazione di Gloucester Road a Londra come parte di Art on the Underground, dove 17 archi a piattaforma hanno creato un paesaggio magico che gradualmente si è trasformato dal giorno alla notte, da urbano a rurale. Il lavoro dipinse il mondo utopico di Aoshima in cui il tempo è sospeso e le creature organiche sono un tutt'uno con cose inanimate.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota è un artista di performance e installazione che crea installazioni visive su grande scala e site specific. Al centro della sua pratica ci sono i temi della memoria e dell'oblio, i sogni e la realtà, il passato e il presente, e il confronto dell'ansia. Le sue opere più celebri sono reti impenetrabili di filo nero che racchiudono una varietà di oggetti domestici, personali e quotidiani, come vecchie sedie, un pianoforte bruciato, un abito da sposa e talvolta l'artista stessa. Labirinto di memoria (2012) comprende una serie di abiti avvolti dall'onnipresente filo nero presente in tante sue opere. Questi abiti sono concepiti come una "seconda pelle", sia per modellare che per restringere il corpo. L'onnipresenza del filo nero ha lo scopo di descrivere e rafforzare questa relazione esatta. Nell'estate del 2014, Shiota ha installato Perspectives (2004), realizzato con oltre 300 scarpe donate accompagnate da note manoscritte di ciascun donatore, confidando in una memoria personale. Shiota poi ha collegato le scarpe con una stringa di filo rosso, ognuna sospesa dallo stesso gancio. Shiota ha rappresentato il Giappone alla 56 ° Biennale di Venezia nel 2015 e la sua prima mostra al Blain Southern di Berlino, inaugurata durante la Berlin Art Week nel 2016, ha fatto scalpore.
Prospettive: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa si ispira a stati di cambiamento, periodi di instabilità, incidenti felici ed elementi di rischio. Le sue performance e installazioni riguardano temi di collettività, amicizia, simultaneità e improvvisazione. Il lavoro di Arakawa è quasi sempre collaborativo e si basa sull'elemento dell'arte dello spettacolo sociale, dalla produzione alla distruzione. La sua sensibilità artistica è influenzata da una condizione performativa, indeterminata, "ovunque, ma da nessuna parte". Il suo lavoro si apre in luoghi inaspettati a livello internazionale, moltiplicandosi attraverso processi collaborativi. Nel 2013, la sua opera è stata esposta nella "Loggia del Kamikaze" (Padiglione georgiano) alla Biennale di Venezia, e in un'indagine sull'arte contemporanea giapponese intitolata Roppongi Crossing al Mori Art Museum. La sua installazione Hawaiian Presence (2014) è stata un progetto collaborativo con l'artista di New York Carissa Rodriguez per la Biennale di Whitney del 2014. A Frieze London nel 2014, Arakawa e suo fratello Tomoo - lavorando come duo con il nome di "United Brothers" - hanno presentato un lavoro di performance dal titolo This Soup Taste Ambivalent? in cui la coppia offriva zuppa ai visitatori, presumibilmente fatto con le radici di daikon "radioattive" di Fukushima.
Koki Tanaka
2015 "Artista dell'anno" di Deutsche Bank, l'approccio visivo di Koki Tanaka esplora la comunità e un'esperienza condivisa di creatività e immaginazione, incoraggiando lo scambio tra i partecipanti e promuovendo nuove regole di collaborazione. La sua installazione al Padiglione del Giappone della Biennale di Venezia del 2013 consisteva in un video con oggetti che trasformavano il Padiglione in una piattaforma di condivisione artistica. I video e le installazioni di Tanaka esplorano la relazione tra oggetti e azioni, registrando semplici gesti eseguiti con oggetti di uso quotidiano come un coltello che taglia verdure, la birra versata in un bicchiere e l'apertura di un ombrello. Nulla di grande importanza accade in questi video, tuttavia la ripetizione compulsiva e l'attenzione ai minimi dettagli costringono lo spettatore a valutare il banale.
Mariko Mori
Mariko Mori crea opere multimediali in video, fotografia, nuovi media e installazioni artistiche. Esprime una visione minimalista e futuristica attraverso forme eleganti e surreali. Un tema ricorrente nel lavoro di Mori è la giustapposizione della mitologia orientale con la cultura occidentale, come si vede nelle sue immagini a strati digitali. Mori è venuto alla ribalta con Wave UFO , che ha debuttato al Kunsthaus Bregenz, in Austria nel 2003. Successivamente, questo pezzo è stato trasferito a New York e successivamente è stato incluso nella Biennale di Venezia del 2005. Nel 2010, Mori ha fondato la Faou Foundation, un'organizzazione educativa e culturale senza scopo di lucro attraverso la quale ha dedicato una serie di sue installazioni d'arte permanente, armoniose e site-specific, per onorare i sei continenti abitabili. Più di recente, un'installazione permanente di Faou Foundation intitolata Ring: One with Nature è stata installata su una scenografica cascata a Visconde Mauá a Resende, non lontano da Rio de Janerio.
Mariko Mori, 'Infinite Energy' , 2013. Lavora con il supporto di Espace Louis Vuitton Tokyo | © Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda è un nuovo media e artista del suono il cui lavoro si basa principalmente sul suono in una varietà di stati "grezzi" - dai toni sinusoidali al rumore - utilizzando frequenze al limite del il raggio d'ascolto umano. Le sue esibizioni e installazioni immersive comprendono suoni generati al computer che si trasformano visivamente in proiezioni video o in pattern digitali. Il lavoro audiovisivo di Ikeda utilizza scale, luci, ombre, volumi, ombre, suoni elettronici e ritmo per inondare i sensi. Il famoso modello di prova [n. 5] di Ikeda comprende cinque proiettori che illuminano una superficie di circa 28 metri di lunghezza e otto di larghezza. L'installazione converte i dati (testo, suoni, foto e filmati) in codici a barre e schemi binari di zero e uno. L'opera di Ikeda include anche spettacoli notturni, come datamatics [ver.2.0] , una versione aggiornata di un concerto audiovisivo che ha presentato in diverse sedi in tutto il mondo dal 2006, a partire da Zero1, San Jose, California, per ISEA 2006. Ikeda esamina e applica metodi matematici e scientifici per modellare musica, tempo e spazio, creando esperienze ipnotizzanti. Esplora il suono e la visione, decostruendo le loro proprietà fisiche per rivelare le complesse relazioni coinvolte nella percezione umana. In definitiva, Ikeda mette alla prova i potenziali estremi della tecnologia digitale, sfidando le soglie della percezione.
Takashi Murakami
Takashi Murakami è uno degli artisti contemporanei più iconici del Giappone. Dai dipinti alle sculture su larga scala e alle collaborazioni di moda, il lavoro di Murakami è influenzato da manga e anime. Fondatore del movimento Superflat e del collettivo di artisti Kaikai Kiki, Murakami ha sviluppato e supportato le carriere di molti dei suoi contemporanei. Il termine "superflat" descrive sia le caratteristiche estetiche della tradizione artistica giapponese, sia la natura della cultura e della società giapponese del dopoguerra. La tradizione ha lasciato un'eredità di immagini bidimensionali piatte, con enfasi su piani piani di colore, che sono stati rielaborati nella cultura contemporanea attraverso manga e anime. Il Giappone del dopoguerra ha anche sperimentato un "appiattimento" delle differenze nella classe sociale e nel gusto popolare. La pratica di Murakami comprende elementi di riconfezionamento che sono solitamente considerati "bassi" o sub-culturali e li presentano nei mercati dell'arte "alta" della moda e dell'arte. Il suo provocatorio Il mio Lonesome Cowboy (1998) è stato venduto a Sotheby's New York per un record di 15,2 milioni di dollari nel 2008. Oltre alle sue opere, Murakami ha collaborato con Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima è un artista scultore e installatore i cui lavori altamente tecnologici impiegano materiali contemporanei come circuiti elettrici, video e computer, incentrati sull'uso di gadget sin dagli anni '80. I principali concetti artistici di Miyajima traggono ispirazione dalle idee umanistiche e dagli insegnamenti buddhisti. I contatori LED nelle sue installazioni lampeggiano continuamente in ripetizione da 1 a 9, a simboleggiare il viaggio dalla vita alla morte, ma evitando la finalità, che è rappresentata da 0 e non appare mai nel suo lavoro. I suoi numeri sempre presenti, presentati in griglie, torri e circuiti esprimono il suo interesse per le idee di continuità, connessione, eternità e flusso di tempo e spazio. Più di recente, l'opera di Miyajima intitolata Arrow of Time (Unfinished Life) è stata esposta nella mostra inaugurale di Met Breuer, Unfinished: Thoughts Left Visible a New York.
藍色 地平線| © Bowy Gavid Bowie Chan / Flickr
Yayoi Kusama
Con una strabiliante carriera durata sette decenni, Yayoi Kusama ha esplorato i regni della pittura, del disegno, del collage, della scultura, della performance, del cinema, della stampa, dell'installazione e dell'arte ambientale, come oltre a letteratura, moda e design del prodotto. Kusama ha sviluppato uno stile molto distintivo di arte a pois, che da allora è diventato il suo marchio di fabbrica. Queste visioni illusorie sono, per Kusama, il prodotto delle allucinazioni che ha vissuto fin dall'infanzia, in cui il mondo sembra essere coperto di forme proliferanti. Kusama ha coperto intere stanze con punti colorati e specchi 'infinito' che riflettono all'infinito forme di luce colorate.
Yayoi Kusama, Aftermath of Oternity of Eternity [Installation view], 2009 | © Andrew Russeth / Flickr
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara crea dipinti, sculture e disegni raffiguranti la sua firma di bambini e cani con gli occhi spalancati - soggetti che cercano di catturare un senso di noia e frustrazione infantile, e di riconquistare il fiera indipendenza naturale per i bambini. Ricorda le tradizionali illustrazioni di libri, la sua estetica presenta una tensione inquieta, in parte influenzata dall'amore di Nara per il punk rock. I titoli delle sue opere sono la testimonianza di questo, da La ragazza con il coltello nella sua parte (1991) a Silent Violence (1998), Neurotic to Bone (1 ) e Non c'è niente (2000). Nel 2011, l'Asia Society Museum di New York City ha tenuto la sua prima grande mostra personale dal titolo Yoshitomo Nara: Nobody's Fool , comprendente un lavoro che abbraccia la carriera ventennale dell'artista. Le opere in mostra erano intimamente legate alla sensibilità delle sottoculture giovanili di tutto il mondo, incentrate sui temi dell'alienazione e della ribellione, in particolare in relazione alla musica rock e punk.
Pup King - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
