8 Dipinti Imperdibili Al Musée D'Orsay
Una sepoltura ad Ornans (1849 circa), Gustave Courbet
Un pioniere della metà Il realismo francese del diciannovesimo secolo, Gustave Courbet cercò di spostare la pittura da ciò che considerava l'accademismo elitario di artisti romantici come Jacques-Louis David, Eugène Delacroix e Jean-Auguste-Dominique Ingres. Courbet voleva creare una nuova estetica socialmente consapevole, fondata sul mondo materiale e che monumentalizzava la classe contadina non ottimizzata. La dimensione imponente di A Burial At Ornans è una dichiarazione di intenti; per la prima volta nella storia, i poveri erano davanti e al centro - un privilegio riservato esclusivamente alle figure ricche e classiche. Il dipinto affronta sottilmente la crescente secolarizzazione della Francia in quel periodo, con i pastori raffigurati come rozze caricature con le spalle rivolte a Cristo, che passa apparentemente inosservato dai dolenti.
Gustave Courbet - Una sepoltura ad Ornans - Google Art Project 2 | © Google Art Project / WikiCommons
Bal du Moulin de la Galette (1876), Pierre-Auguste Renoir
Mentre i dipinti di Courbet miravano a portare i contadini alla ribalta artistica, il di Pierre-Auguste Renoir Bal du Moulin de La Galette catturò la fiorente cultura del caffè e la classe borghese, che travolse Parigi nel 1870. Dopo il 1850 e il 1860, quando il barone Haussmann ridisegnò la capitale francese da una sporca e angusta città medievale a una città moderna con ampi viali, spazi aperti e edifici in uniforme, Parigi divenne un centro urbano per artisti, scrittori e una classe edonista di ricchi festaioli. Il dipinto di Renoir cattura la vitalità di questa nuova Parigi, una città in cui le persone possono godersi tranquillamente la giornata, ballando e bevendo con i loro amici. Questo lavoro offre una visione straordinaria della moda e dello spirito dell'epoca, una rappresentazione iconica di questa città vivace e romantica.
Auguste Renoir - Danza al Moulin de la Galette - Musée d'Orsay RF 2739 (lavoro derivativo - AutoContrast edit nello spazio LCH) | © WikiCommons
Dinner at the Ball (1879), Edgar Degas
Un dipinto molto piccolo e in nessun caso una delle opere più famose di Degas al d'Orsay, Dinner At The Ball è un pezzo di commento sociale stupendo e sfumato. Alla prima impressione, questa immagine sembra avere molto in comune con il di Balir Moulin di Renoir come un'immagine della società in gioco descritta con colori vibranti, ma sembra essere più un avvertimento che una celebrazione della borghesia status quo. In un ambiente di tale decadenza, pieno di lampadari, abiti e abiti costosi ricchi di decorazioni in oro e rosso, le cifre si riducono ad un livello di anonimato senza volto. La tecnica della sfocatura non solo evoca l'energia della stanza, ma suggerisce una sorta di transitorietà e l'idea che nulla è stabile o ha la sua identità individuale in questo mondo materialista. Dobbiamo essere prudenti, sembra dire Degas, non scambiare la nostra individualità per una vita di opulenza ed eccesso.
Olympia (1863), Edouard Manet
Uno dei dipinti più controversi del secolo, Edouard Manet Olympia inorridito dalla critica quando fu esposta per la prima volta nel 1863. Sfidando la tradizione del nudo idealmente classicamente, Manet costrinse i suoi spettatori a fissare una donna "reale" contemporanea. Olympia è una prostituta, sfacciatamente a proprio agio e orgogliosa della sua nudità, che guarda direttamente allo spettatore, in contrasto con le convenzioni artistiche delle donne come paragoni passivi di bellezza. Manet stava cercando non solo di staccarsi dai precedenti, ma evidenziava l'ironia della "modernizzazione" di Parigi, quando l'alta società non poteva ancora palpare la liberazione sessuale e l'autoaffermazione femminile. I critici si sono offesi per il contenuto tematico del dipinto e per lo stile dell'artista, che consideravano troppo semplicistico con una composizione imperfetta.
Studio di Bazille, (1870) Frédéric Bazille
Le tensioni che circondano i ruoli tradizionali di genere divennero sempre più frequenti con il progredire del XIX secolo, e lo studio di Bazille di Frédéric Bazille sottolinea efficacemente la disparità tra uomini e donne nel mondo dell'arte in questo tempo. Il dipinto raffigura un gruppo di uomini - presumibilmente gli amici degli artisti - che osservano, parlano e analizzano, con figure nude come l'unica presenza femminile nell'opera. Queste muse non sono altro che simboliche - intrappolate nelle loro scene domestiche domestiche solo per essere oggettivate e valutate, voyeuristicamente, dagli intellettuali maschili nel quadro. Frédéric Bazille - Studio di Bazille - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2guA presso Google Cultural Institute / WikiCommons
The Cardplayers (1890-1895), Paul Cézanne
Uno dei numerosi dipinti raffiguranti i giocatori di carte che Paul Cézanne ha prodotto nei primi anni del 1890,
The Cardplayers è uno dei lavori più duraturi dell'era post-impressionista. Cézanne, come Courbet prima di lui, cercò di celebrare i membri comuni dei contadini che popolavano la sua provenzale Provenza. Disinteressato al realismo, tuttavia, Cézanne dipinge le sue figure attraverso ampie pennellate, saturate da toni di terra come arance e marroni per trasmettere il calore di questa regione e dei suoi abitanti. Lontano dalla frenetica metropoli di Parigi, Cézanne voleva che la sua arte provinciale rappresentasse la stabilità e l'armonia pensate per essere presenti nella vita arcaica. Card Players-Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons
Londra, Houses of Parliament (1904), Claude Monet
Mentre Claude Monet si associa meglio alle immagini che ritraggono Parigi e la campagna francese, le Houses of Parliament di Londra sono state oggetto di alcune delle opere più convincenti dell'artista nei suoi ultimi anni. Pioniere dell'impressionismo, Monet rifiutò l'enfasi tradizionale dell'accuratezza nell'arte; piuttosto, ha cercato di catturare l'essenza di un momento, come il sole che taglia la nebbia. In competizione con la nascente tecnologia della fotografia, Monet sentiva che i dipinti dovevano rappresentare il mondo in un modo che nessuna fotocamera avrebbe mai potuto.
Londra, Houses of Parliament è un brillante esempio archetipico dello stile impressionista che Monet ha padroneggiato, facendo usi di sobri rossi e arance in contrasto con il blu più scuro e la sagoma nera degli edifici del Parlamento per creare quest'aria di luce che emerge dalla foschia. Claude Monet 015 | © lascito di Comte Isaac de Camondo e Musée d'Orsay / WikiCommons
Autoritratto
(1889), Vincent Van Gogh L'iconico
ritratto di Vincent Van Gogh è uno degli ultimi 40 dipinti l'artista ha prodotto di se stesso nella sua breve carriera. Trasferitosi a Parigi nel 1886 e apprendendo dalle opere dei suoi contemporanei impressionisti, Van Gogh fonde queste influenze con quelle dell'arte giapponese del legno come ukiyo-e per creare uno stile delicato e fluido. Eppure, per Van Gogh, questi autoritratti erano più di un semplice processo di sperimentazione artistica e di auto-promozione - erano un tentativo di comprendere il "sé" coerente, che era particolarmente confuso dalla sua battaglia a lungo termine con la depressione maniacale. La sua malattia continua a perseguitare il suo lavoro; il cupo Van Gogh dai capelli color fuoco è decisamente in disaccordo con le allegre pennellate che costituiscono lo sfondo - forse a suggerire i sentimenti di disagio e alienazione dell'artista da ciò che lo circonda. Vincent van Gogh - Autoritratto - Google Art Project | © 9gFw_1Vou2CkwQ presso Google Cultural Institute / WikiCommons
Musée d'Orsay, 1 Rue de la Légion d'Honneur, 75007 Parigi +33 1 4049 4814. Aperto tutti i giorni dalle 9:30 alle 18:00, giovedì fino alle 21:45, chiuso il lunedì. € 12, € 9 concessioni, gratuito sotto i 18 anni e membri.
