I 10 Migliori Fotografi Australiani Che Dovresti Conoscere
Justine Khamara
Justine Khamara (nato nel 1971) indaga e sfida i confini della fotografia medio, reinterpretando la ritrattistica fotografica e mettendo in discussione le nozioni contemporanee dell'essere. Le sue opere scultoree tridimensionali e collage offrono una manipolazione della realtà che si impegna con le nozioni di auto-rappresentazione in un'era di tecnologie di (re) produzione istante, generosamente infinite. La sua opera utilizza fotografie a fettine sottili e immagini di un singolo soggetto catturate da più angolazioni. Erysicthon's Ball (2010) è stato ispirato dal mito greco di Erysicthon, re della Tessaglia, per mettere in discussione la vanità delle società moderne, evidente nell'attività diffusa e autoassorbita di prendere più immagini di se stessi e di postarle attraverso diversi canali di social media, tentando così di controllare la rappresentazione personale e di perpetuare il fenomeno della vanità. In molte delle sue opere, Khamara usa le immagini di se stessa e della sua famiglia o dei suoi amici, il che le consente di lavorare intimamente con i suoi soggetti ritratti. In Guardami scivolare attraverso questi fogli sottili (2011), un foglio di tessuto stampato con immagini di se stessa e sua madre è combinato con uno specchio, per attirare l'attenzione sulla possibilità di individui che vivono molteplici aspetti di se stessi.
Justine Khamara, orbitale spin trick, 2013, stampa UV, compensato tagliato a laser, 50 x 50 x 50 cm. Fotografo: John Brash | Immagine per gentile concessione dell'artista
Bill Henson
Bill Henson (nato nel 1955) utilizza un particolare momento del giorno-crepuscolo per catturare immagini di paesaggi e giovani adolescenti che creano una sorta di "mitologia moderna". Le condizioni di illuminazione del crepuscolo e le tecniche di sottoesposizione e di regolazione della stampa consentono a Henson di ottenere contrasti di ombre e chiaroscuri di luce, simili ai dipinti di nature morte dei maestri fiamminghi. La sua opera evoca un'atmosfera di trascendenza e eventi soprannaturali, esplorando il tema ricorrente della dualità. I suoi soggetti sono ritratti nell'oscurità e nella luce fioca, senza mai guardare direttamente l'obiettivo, in parte nascosto per creare un'aura di mistero e di esistenza baccanale. I tableaux pittorici e teatrali di Henson continuano la tradizione del 19 secolo di letteratura e arte romantica e il concetto di Sublime, in cui la grandezza della Natura provoca le sensazioni contrastanti di stupore, terrore e timore. Sfocando le linee tra la realtà e l'inconscio, Henson trasporta lo spettatore in una dimensione parallela che si nasconde dietro spessi veli di oscurità e riccamente carichi di riferimenti al nostro passato. Per l'artista, i paesaggi sono elementi forti dei nostri ricordi e il suo interesse nel catturarli in memento mori immagini che hanno il potere di trasportare lo spettatore in un mondo senza tempo. Bill Henson, Untitled 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, stampa a getto d'inchiostro a getto d'inchiostro, 180 x 127 cm | Courtesy l'artista e Tolarno Galleries, Melbourne
Tracey Moffatt
Il cineasta, video artista e fotografo Tracey Moffatt (nato nel 1960) crea opere stimolanti che esplorano temi come la corsa, i traumi infantili e i media, così come Sottomissione aborigena, dominio materno, stereotipi di genere e divisione di classe. Le opere prodotte negli anni '80 comprendono
Some Lads (1986), una serie di fotografie in bianco e nero che ha mostrato accanto alla fotografia a colori The Movie Star (1985). In Disappointed Dreams (1989), Moffatt ha presentato una narrativa ricca e frammentata con immagini suggestive di violenza, glamour e sogni delusi. Il suo interesse per le relazioni di potere è evidente in Scarred for Life (1994), un insieme di litografie che giustappongono fotografie e testo, imitando il layout e il formato delle vecchie pagine di rivista Life sbiadite. La serie ritrae l'infanzia e l'adolescenza come tempi saturi di violenza, abbandono e disordini psicologici. Nel 1998, Moffatt ha sperimentato un nuovo mezzo, creando Laudanum , una serie di fotografie -o foto incisioni-incentrate sul rapporto tra una donna e il suo servo aborigeno. Il suo recente lavoro, "Spirit Landscapes" (2013), in mostra al QAGOMA nel 2015, comprende cinque nuove serie fotografiche e un film, esplorando la spiritualità, la memoria nel paesaggio e il soprannaturale e offrendo una meditazione sul significato della terra e posto attraverso storie personali e universali. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, stampa a colori su carta Fujiflex, 132 × 114 cm, Edizione di 25 | Per gentile concessione dell'artista e Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney
Patrick Pound
Al centro della pratica di Patrick Pound (1962) risiede l'interesse per le nozioni di collezionismo e archivio, che gli consentono di creare una sorta di "mappatura della cultura umana". Con una visione del mondo che lo equipara a un puzzle, l'artista tenta di riconnettere i pezzi uno per uno accumulando diligentemente, categorizzando e classificando le fotografie trovate e gli oggetti effimeri. La pratica di Pound mira a raggiungere una comprensione irraggiungibile attraverso la collezione infinita. I suoi collage e assemblaggi di immagini trovate e oggetti scartati non sono casuali, ma funzionano come definizioni in un dizionario o come prove compilate e costruite. Pound "definisce" nozioni astratte catturate su pellicola, ma trascurate dall'osservatore comune, che materializza i ritratti dell'intangibile. Ad esempio, Portrait of the Wind (2013) comprende una vasta collezione di ritratti di persone "che si trovavano nel vento", mentre la serie Crime Scene (2013) presenta fotografie in cui i soggetti sembrano essere deceduti - in verità , la maggior parte di loro dormiva.
The Photographer's Shadow è una serie di fotografie in cui l'ombra del fotografo viene catturata su pellicola, mentre in The Missing Pound ha cancellato le persone dalle cartoline e fotografie con Photoshop. Liu Xiaoxian
Originario della Cina, Liu Xiaoxian (nato nel 1963 a Pechino) si è trasferito in Australia nel 1990, dopo l'incidente di Tiananmen. Il suo background cinese e la sua esperienza di vita come australiano "adottato" giocano un ruolo importante nella sua pratica artistica, che esplora le differenze e le questioni comuni tra est e ovest su temi come cultura, tradizione, politica, religione, identità e genere . Attraverso la fotografia e la scultura, Liu analizza simboli occidentali e orientali iconici o culturalmente significativi come espressione dell'esperienza migrante, giustapponendoli nel suo lavoro. Il suo monumentale dittico
I nostri dei (2000), nella collezione della Galleria d'arte del Nuovo Galles del Sud, riunisce le rappresentazioni del Cristo sofferente e del Buddha che ride. Più che posizionati l'uno accanto all'altro, i due ritratti sono composti, con l'aiuto del montaggio e della manipolazione digitale, di 22.500 immagini minuscole e ripetute dell'altra, come i pixel. In un precedente lavoro, My Other Lives (1 ), Liu ha usato fotografie della sua vasta collezione di album di famiglia vintage australiani. L'artista ha inserito digitalmente la sua faccia in immagini stereografiche di famiglie australiane di fine secolo. Liu tenta di dare visibilità a una storia spesso trascurata delle identità asiatiche nell'ambito della costruzione della cultura australiana, oltre a occuparsi delle nozioni di dislocamento, migrazione e identità. Liu Xiao Xian: Da est a ovest. 7-12 settembre 2009, Galleria RMIT, vista installazione. Fotografia: Mark Ashkanasy | Per gentile concessione di RMIT Gallery, Melbourne
Pat Brassington
Lavorando nella fotografia e nei media digitali, Pat Brassington (nato nel 1942) trae influenze dal Surrealismo, scavando nel perturbante e l'effetto provocatorio che l'ambiguità ha sull'interpretazione. Il suo lavoro si dipana in immagini che si trasformano come le macchie d'inchiostro di un test di Rorschach, aprendosi alle infinite possibilità dei nostri stati psicologici interiori relativi a narrazioni di sesso, memoria e identità. Le immagini oniriche di Brassington combinano analogico e digitale, passato e presente, creando una realtà ambigua, a volte astratta (sur). Nei suoi primi lavori, ha usato il film in bianco e nero per catturare immagini poetiche e scure di nudi vicino alle porte e altre opere. Negli anni '90, Brassington si è allontanata dal mezzo più tradizionale e ha iniziato ad abbracciare la manipolazione digitale. La capacità di smembrare, decostruire e ricostruire le immagini lasciò il posto alla sua immaginazione sconfinata e le permise di perseguire il suo interesse di lunga data nello spazio tra realtà e fantasia. L'artista utilizza fotografie trovate o esistenti della propria collezione personale, combinandole con "elementi estranei". Immagini inquietanti di bocche imbavagliate, come in Forget Your Perfect (2008), cosce contorte e elementi simili a genitali - come nella serie
In My Mother's House (1994) - sono solo alcune delle numerose ha prodotto. Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, stampa a pigmenti, edizione di 8, 72 x 50 cm | Courtesy l'artista e ARC ONE Gallery
Peta Clancy
Peta Clancy (1970) esplora temi di transitorietà, temporalità, mutabilità e limiti corporei e soggettivi del corpo umano. La sua pratica fotografica si allontana dai limiti bidimensionali per abbracciare il campo espanso della fotografia, con interventi come piercing, accartocciamento, cordonatura e incorporamento in cera, oltre a produrre pezzi di installazione come
This Skin I'm In (2002) -con immagini stampate su cuscini di stoffa. Affrontando una preoccupazione per la pelle, la mortalità e l'invecchiamento, le sue serie Lo porta come una mappa sulla sua pelle (2005-2006) è composta da immagini di occhi e labbra di una donna perforati con un ago d'argento sottile, per creare un effetto simile al pizzo . Clancy dice che "la pelle non ha radici, si stacca facilmente come carta" (download PDF) e "le superfici della pelle e la fotografia sono centrali" per il suo lavoro. La realizzazione della vulnerabilità e fragilità del corpo umano e il modo in cui può cambiare così rapidamente sono al centro di un'altra serie, paper thin (2007), in cui la carta è anche rappresentativa della pelle umana - l'artista non solo lo buca, ma lo accartoccia, come se rappresentasse la pelle rugosa. Aspettando che la polvere si stabilizzi (2000-2005) cattura il passare del tempo e 'i minuti residui della nostra vita quotidiana', con immagini di tracce e ombre lasciate dagli oggetti quando vengono rimossi dal loro posto. Frammenti ingranditi di polvere e pelle morta suggeriscono la mortalità e 'la polvere da cui il corpo viene e verso cui ritornerà. Peta Clancy, porta tutto come una mappa sulla sua pelle 1, dalla serie' Puncture ', 2015, stampa fotografica di tipo C, 53 x 80 cm | Courtesy of the artist
Trent Parke
Il fotografo Magnum Trent Parke (nato nel 1971) si ispira alla sua esperienza di vita quotidiana e lavora principalmente con la fotografia di strada. Nel 2003, Parke ha percorso quasi 90.000 km in giro per l'Australia con la moglie e la collega fotografa, Narelle Autio. Il risultato è stato Minutes to Midnight, una raccolta di foto del viaggio che offrono un inquietante ritratto dell'Australia del ventunesimo secolo, dall'outtry essiccato alla vita caotica nelle remote città aborigene. Nel 2007, Parke intraprese un viaggio interiore, per esplorare la propria vita e il proprio passato - come egli stesso dice - "per scavare nelle mie storie". Per sette anni ha lavorato a The Black Rose Diaries, presentato alla Art Gallery of South Australia nel 2015. La serie è iniziata mentre Parke rifletteva su una notte quando a 12 anni assistette alla morte di sua madre da un attacco d'asma. Da quel momento in poi, l'artista ha interrotto tutti i ricordi della sua infanzia, fino a quando ha affrontato i problemi e ha iniziato a creare un corpo di lavoro attorno ad esso. Comprendendo fotografie, lettere e testi, la serie non solo racconta la vita passata e presente di Parke, ma pone anche domande universali sulla nostra stessa esistenza. Derivando dalle sue esperienze quotidiane e dai suoi riflessi sulla vita, il lavoro è una meditazione sui viaggi della vita e su come il presente, il passato e il futuro sono correlati.
Trent Parke | © Jaaziel / Flickr, 2008
Petrina Hicks
Petrina Hicks (nata nel 1972) utilizza "il linguaggio seducente e lucido" della fotografia commerciale - il suo background professionale - per confrontarsi con problemi di bellezza e perfezione, esplorando allo stesso tempo il capacità della fotografia di creare e corrompere processi di consumo e seduzione. Le sue immagini presentano soggetti apparentemente impeccabili, giustapposti a elementi "strani", inquietanti che sconcertano lo spettatore - che indicano la tensione tra bellezza e imperfezione. In Shenae and Jade (2005), una giovane modella tiene in bocca un pappagallino, una combinazione improbabile e anticonvenzionale che mette a repentaglio il ritratto alla moda perfezionista. Hicks esplora spesso l'identità femminile, facendo riferimento alla mitologia e alla storia dell'arte e collegandoli alla cultura dell'immagine contemporanea. Questo è evidente in
Hippy and the Snake (2011), una serie composta da un video e fotografie su larga scala che riconducevano sottilmente Eve e il serpente in un giardino dell'Eden rivisitato. In Venere e La nascita di Venere , indica giustamente una dea mitologica e un altro simbolismo femminile, mentre riecheggia anche le nozioni più attuali del femminismo e lo sguardo maschile sessualizzato. (PDF download) Altri lavori fanno riferimento alla relazione simbiotica tra uomo e animale, come Lambswool o Rosemary's Baby (2008). Petrina Hicks, Shenae e Jade, 2005, da la serie Untitled 2005, lightjet print | Courtesy l'artista e Michael Reid Gallery
Sonia Payes
La fotografa e new media artist Sonia Payes (nata nel 1956) ha negli ultimi anni virato verso il surreale, creando immagini inquietanti e multi-livello in cui gli elementi sono invertiti, oscurati e lasciato invisibile. Attraverso la sua pratica fotografica e le sue nuove animazioni multimediali e installazioni tridimensionali, Payes esplora temi di distruzione ambientale, apocalisse e rinnovamento del nostro futuro. L'artista ha attirato l'attenzione con i suoi saggi fotografici su 60 artisti australiani in
UNTITLED. Ritratti di artisti australiani , pubblicati da Macmillan nel 2007. Nel 2012, Payes ha intrapreso una residenza con l'Australia China Art Foundation nelle zone rurali Pechino, che è culminata nella produzione della serie Interzone , mostrata a Fehily Contemporary nel 2013. Durante la sua permanenza a Pechino, Payes era immerso nel duro ambiente del rapido sviluppo urbano della Cina - i terreni agricoli venivano rapidamente sostituiti da cave e cemento. L'artista è stato testimone di cambiamenti significativi non solo nel paesaggio e nell'ambiente, ma anche nelle relazioni umane. Attraverso la sua serie, Payes ha fornito un commento sociale e ha riflettuto sulle nuove interrelazioni uomo-ambiente causate dalla vasta industrializzazione della Cina. "Re-generation" (2014) ha esplorato la pratica di Payes attraverso una varietà di opere, tra cui Earth Warriors e Ice Warriors - rappresentate come "guide" per dirigere l'umanità nella sua ricerca di nuove soluzioni al degrado inflitto il nostro ambiente. Altre serie illustrano e riflettono sulla resilienza dell'umanità e sulla sua capacità di cambiare all'infinito e adattarsi all'ambiente mutevole della terra. Sonia Payes, guerrieri dell'acqua, della serie Warrior Series 1, 2014, stampa di tipo C, edizione 5, 56 x 196 cm | Per gentile concessione dell'artista
