10 Artisti Filippini Contemporanei Da Conoscere
Ronald Ventura
Nel 2011, Ronald Ventura ha battuto il record per la più alta incidenza della pittura del sud-est asiatico a Sotheby's Hong Kong quando la grafite, l'olio e l'acrilico intitolati Grayground venduti per $ 1,1 milioni. I dipinti e le sculture di Ventura presentano molteplici strati di immagini e stili, simbolo della multiforme identità nazionale delle Filippine, un paese che, nel corso della storia, è stato colonizzato da Stati Uniti, Spagna e Giappone. Il lavoro di Ventura incarna la complessità della cultura postcoloniale attraverso la giustapposizione di motivi orientali e occidentali; cultura alta e bassa; tradizione e progresso; passato e presente
Alfredo e Isabel Aquilizan
I due coniugi Alfredo e Isabel Aquilizan sono emigrati in Australia nel 2006, un evento che è diventato parte integrante delle loro pratiche artistiche. Il loro lavoro parla di comunità, esperienza personale, memoria e dislocamento, insieme agli affetti emotivi e psicologici della migrazione. Gli aquiliziani usano spesso oggetti culturalmente significativi come metafore dell '"esperienza vissuta". Nel 2006, hanno esposto Project Belonging: In Transit alla Biennale di Sydney; realizzato con scatole tradizionali balikbayan usate dai filippini per spedire i loro effetti personali in tutto il mondo, l'installazione ha evocato il viaggio della coppia in Australia. Questo lavoro si è evoluto in Project Another Country: Address (2008), realizzato con il contenuto di 140 balikbayan scatole, ciascuna accuratamente imballata e curata con oggetti personali. Da allora Aquilizans ha prodotto diverse opere coinvolgendo la comunità locale, impiegando materiali donati e creando installazioni complesse da oggetti importanti.
Mark Salvatus
I temi dell'urbanistica e della politica quotidiana sono fondamentali per il lavoro dell'artista multidisciplinare Mark Salvatus, che funge anche da co-fondatore dei gruppi locali di arte di strada Pilipinas Street Plan e 98B Collaboratory. Traendo ispirazione dal suo paesaggio urbano, dalla cultura popolare e dai media, Salvatus descrive l'esperienza contemporanea, sia nelle sue Filippine native che nei luoghi in cui viaggia. Salvatus collega le comunioni interculturali, come rappresentato in Haiku (2013) - una proiezione video di graffiti che l'artista ha fotografato durante i suoi viaggi in Giappone, a New York, in Australia e in Indonesia. Il video collega persone e culture altrimenti non collegate per creare un dialogo globale. Nel 2014, l'artista ha presentato Latitudes al Centro Culturale delle Filippine - una serie di tre opere impegnate in questioni socio-politiche che circondano le risorse di terra, aria e acqua.
Gary-Ross Pastrana
Gli oggetti familiari sono decostruiti al di là del riconoscimento nelle opere concettuali di Gary-Ross Pastrana fino al punto in cui ereditano una nuova forma, un significato e una funzione. Pastrana è interessato alle conseguenze della trasformazione della fisicità di un oggetto, osservando come le sue connotazioni vengono successivamente modificate. Set Fire to Free (2002) esplora se un oggetto può mantenere la sua "cosa" se è rotto. Pastrana distrusse una scala, bruciando una sezione dei resti e creando un uccello dalle sue ceneri. Per Two Rings (2008), l'artista ha fuso due anelli di sua madre e li ha modellati in un oggetto simile a una spada per indagare se quella trasformazione fisica avrebbe alterato il sentimentalismo o il valore del materiale. Pastrana ha concluso che il valore monetario non andrebbe perso, ma più significativamente, il loro valore sentimentale aumenta quando le proprietà degli anelli si fondono. Pastrana riconfigura la realtà per rivelare la verità di un oggetto.
Gary-Ross Pastrana, Untitled (Horizon), 2014. Collage. | Immagine gentilmente concessa dall'artista e Silverlens.
José Santos III
José Santos III ha a lungo sfidato le percezioni del "quotidiano". Nei suoi primi lavori, Santos dipinse scene iperrealistiche trompe l'oeil e composizioni surreali e oniriche. L'artista multimediale ha sviluppato uno stile criptico, lasciando il suo lavoro aperto all'interpretazione. Continua a esplorare il fascino per gli oggetti nello sforzo di scoprire le loro storie, oscurando allo stesso tempo la percezione dello spettatore del familiare. In ²hide (2014), e un'esposizione presso Pearl Lam Galleries, Santos ha esposto un nuovo corpus di opere con oggetti quotidiani impregnati di nuovi significati. Gli oggetti non notati sono spesso posti sotto i riflettori, ri-posizionati per creare una nuova esperienza. Santos evoca un rinnovato apprezzamento per il nascosto, mostrandoci fino a che punto prendiamo gli oggetti per scontati nella vita di tutti i giorni.
Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli è autoproclamato 'musicista fallito' e graffitista le cui opere riflettono il storia di drone metal, black metal e tutto rock n 'roll. Le sue opere e le sue mostre sono spesso ispirate ai testi delle canzoni, come il suo show del 2013 a Silverlens intitolato bianco come il chiaro di luna, bianco come un osso, scuro come il serpente, scuro come il trono . Esplorando il "lato oscuro" della cultura pop, i disegni di grafite grigia di Zicarelli rivelano immagini di teschi, foreste oscure, serrature appese a grovigli, palle da discoteca, chitarre fracassate, stelle rock morte e emblemi del tatuaggio. L'artista spiega che la sua pratica non è tanto di essere una groupie, quanto di mostrare un lato meno caotico del settore. La sua mostra del 2014 The Dust of Men è stata ispirata dal lavoro e dall'estetica dell'iconico 2001: Odissea nello spazio di Stanley Kubrick. Dalle immagini del sacrificio al degrado, questa mostra ha mostrato l'eterna fragilità di l'umanità.
Costantino Zicarelli, 'Fino alla luce ci prende VI', 2013. Grafite su carta. | Immagine gentilmente concessa dall'artista e Silverlens.
Norberto Roldan
Fondatore di Black Artists in Asia - un gruppo con sede a Filippine incentrato su pratiche artistiche socialmente e progressivamente politicamente - e Green Papaya Art Projects, Norberto Roldan si rivolge al sociale locale, politico e questioni culturali. Il suo assemblaggio di testi, immagini e oggetti trovati considera l'esperienza vissuta della vita quotidiana nelle Filippine, accanto alla complessa storia del paese e alla memoria collettiva. Roldan pone un'enfasi particolare sugli oggetti storici e sulla loro capacità di mantenere un significato una volta scartati e dimenticati, mettendo in discussione se un oggetto sia intrinsecamente sentimentale o dotato di significato. Il suo assemblaggio intitolato In Search For Lost Time 1/2/3/4 (2010) è stato ispirato dall'appartamento di Hitler a Berlino, che era apparentemente incongruo con la natura del dittatore megalomane. Il lavoro mette in discussione i modi in cui gli oggetti riflettono chi siamo. L'inizio della storia e le strategie fatali (2011) è stato ispirato dal saggio di Jean Baudrillard intitolato La fine della storia e il significato , in che il filosofo sostiene che la globalizzazione ha accelerato la dissoluzione della storia e il crollo del progresso. Ogni opera è una raccolta di vecchi oggetti esposti in armadi, che ricordano un passato creato dal tentativo di creare un senso di ordine da memorie dimenticate.
Norberto Roldan, "Il sacro è il nuovo profano 1", (dittico), 2010. Assemblaggio con oggetti trovati. 24 x 48 pollici. | Immagine gentilmente concessa dall'artista e da Lightbombs Contemporary.
Louie Cordero
Le opere multimediali riccamente ornate e spesso grottescamente umoristiche di Louie Cordero fondono tradizioni indigene, cattolicesimo spagnolo e cultura pop americana per esprimere una lunga storia di tensione. Le sue composizioni dai colori vivaci traggono ispirazione dall'estetica di film horror b-movie, musica heavy metal, fumetti, folklore e vita di strada, coinvolgendo questioni derivanti dal passato coloniale dell'artista e dall'educazione cattolica. Alla Biennale di Singapore del 2011, Cordero ha presentato un'installazione multimediale inquietante intitolata My We , ispirato agli ultimi omicidi di persone innocenti che cantano My Way di Frank Sinatra nei bar delle Filippine. L'installazione mostrava una moltitudine di figure in fibra di vetro pugnalate su tutto il corpo con parti del corpo rotte. Sullo sfondo, un'installazione video proiettava la canzone fatale di Sinatra per creare una misteriosa ricreazione degli eventi macabri.
Rodel Tapaya
Attingendo a temi di memoria e storia, Rodel Tapaya intreccia la realtà contemporanea con narrazioni popolari in un vibrante tableaux ispirato da racconti popolari e storia pre-coloniale. Cane di Kabunian, numerato ma non può essere contato (2010) gli è valso il Premio d'Arte Firma 2011. Il dipinto - esposto alla Xa Biennale di Gwangju nel 2014 e ora ospitato nella collezione di Tiroche De Leon - presenta immagini del folclore filippino, fondendo molteplici narrazioni e diversi riferimenti allegorici, dalla figura centrale canina ai miti di origine e altre creature. Tapaya mette in guardia contro l'avidità e la distruzione ambientale del genere umano. Allo stesso modo, Mountain Fantasies (2012) commenta i pericoli dello sfruttamento eccessivo e dell'importanza di preservare la natura. Il dipinto trae ispirazione dalle leggende filippine come la bella dea della foresta Maria Makiling che protegge i boschi e gli spiriti che coltivano piantine dove sono morti vecchi alberi. Il lavoro di Tapaya funge da critica alla corsa del genere umano verso il progresso a spese del mondo che ci circonda.
Martha Atienza
Nata da madre olandese e padre filippino, Martha Atienza si è trasferita tra le Filippine e l'Olanda in tutto il mondo la vita e il suo background contrastato si riflettono nel suo lavoro video. Da qualche parte tra immaginazione e comprensione, il suo lavoro è uno studio sociologico del suo ambiente. Atienza è interessata a indagare le potenzialità dell'arte contemporanea come strumento per istituire il cambiamento sociale. Insieme a Rodel Tapaya, è stata tra i finalisti per il Sovereign Asian Art Prize 2013/2014, dove ha presentato il suo lavoro interminabili ore al mare . L'installazione video rende omaggio alla storia dei viaggi oceanici, ispirata al passato di suo padre come capitano di mare. Con un video commovente del mare rifratto attraverso un bicchiere d'acqua e accompagnato dal suono dell'oceano, questo lavoro cattura l'illusione delle acque in movimento e suggerisce un senso di allucinazione causato dall'isolamento di una vita in mare.
