Arte Di Fernando Botero: Artista Colombiano Più "Colombiano"
Fernando Botero | © Roel Wijnants / Wikicommons
Nel suo paese natale e all'estero, Fernando Botero è stato insignito di riconoscimenti tra cui il Primo Premio in Pittura al prestigioso Salon Nacional de Artistas nel 1958 a soli 24 anni. Più recentemente, nel 2012, è stato presentato con un premio alla carriera in Contemporary Sculpture assegnato dall'International Sculpture Center negli Stati Uniti, che riconosce importanti contributi al mezzo. Nel 2001, la scultura in bronzo di Botero Dancers ha venduto per più di $ 1,7 milioni di dollari in un'asta di Christie's a New York, un nuovo record per la scultura colombiana.
Ma nonostante l'evidente successo commerciale e critico di Botero, ci sono alcuni all'interno del mondo dell'arte contemporanea che sono sprezzanti del suo lavoro, suggerendo che la sua preferenza per l'arte estetica è banale e poco politica, o che il suo rispetto per gli antichi maestri della pittura e la sua incorporazione delle loro tecniche è decisamente non contemporaneo. Tuttavia, questa potrebbe essere una lettura troppo semplicistica del lavoro di Botero.
Fernando Botero, Donna Sdraiata, Bronzo, 60 x 23,5 x 25 cm, Rosenbaum Contemporary, 2007 | Courtesy Gallery and Artist
Nato nel 1932 nella città di Medellin, in Colombia, Fernando Botero è un artista figurativo nel senso più pieno, rinomato per i suoi dipinti e le sue sculture di soggetti sinuosi e ben definiti. Nacque come secondo di tre figli, e suo padre, un commesso viaggiatore, morì quando Botero aveva solo quattro anni. Sua madre ha poi dovuto lavorare come sarta per sostenere la famiglia. Dopo un periodo in una scuola di matador, Botero decise che l'arte era la sua vera vocazione e nel 1948, all'età di 16 anni, fece la sua prima mostra. Tre anni dopo, dopo essersi trasferito nella capitale della Colombia, Bogotà, ha ospitato la sua prima mostra personale.
Nei primi anni Cinquanta Botero viaggiò attraverso l'Europa studiando arte alla Real Academia de Bellas di San Fernando a Madrid, seguito da un incantesimo a Parigi assorbito le opere degli antichi maestri al Louvre. Ha continuato a Firenze, dove ha studiato gli affreschi del Rinascimento italiano. Fu durante e dopo questo periodo che Botero iniziò a sviluppare il proprio stile distintivo. Influenzato dalla ritrattistica naturalista del maestro barocco spagnolo Diego Veláquez, dal romanticismo di Francisco de Goya e dai pittoreschi e pittoreschi artisti e pittori messicani di Diego Rivera, l'arte di Botero combina la vivacità, l'audacia e i temi popolari comuni all'arte latinoamericana, pur rispettando un rispettoso omaggio alla sensualità della forma nell'opera degli antichi maestri. In tal modo, Botero ha sviluppato uno stile che è sia parte di una tradizione artistica ma anche interamente sua. Come scrisse Reed Johnson per il Los Angeles Times , "i suoi umani rubenéschi, paesaggi rotondi e vasi voluttuosi, strumenti musicali e altri oggetti inanimati sono così identificabili da essere praticamente un marchio di fabbrica."
Fernando Botero , Natura morta con frutta, Olio su tela, 78,1 x 99,1 cm, Rosenbaum Contemporary, 2003 | Courtesy Gallery and Artist
Tuttavia, non tutti i critici sono fan di Botero, con molti che criticano il suo lavoro come mancanza di profondità e critica, o come Charmaine Picard per Arts in America ha detto, le opere d'arte di Botero sono "esplose" dai detrattori come caricature semplicistiche di forme carnose in scene familiari soleggiate ». Tuttavia, questi critici nel mondo dell'arte contemporanea non hanno mai posto troppo problema o minaccia a Botero. Sta di fatto accettando questo rifiuto, forse anche abbracciandolo, affermando in un'intervista con ARTnews che "alcune persone amano il mio lavoro, alcune persone lo odiano. Non puoi essere apprezzato da tutti. C'è stata opposizione in alcuni posti. Io rappresento il contrario di ciò che sta accadendo nell'arte oggi. '
Potrebbe essere proprio questa discordia tra Botero e i suoi critici che spiega la sua importanza nell'arte contemporanea. Va contro la maggior parte degli artisti che lavorano oggi usando tecniche tradizionali e ha stabilito il suo stile chiaro, distinto e incrollabile, creando arte con un senso di permanenza, sostanza e significato - qualcosa a cui Botero sente che manca una grande quantità di arte contemporanea "Come ha detto la figlia Lina Botero," pensa che l'arte contemporanea sia una competizione di stravaganze su chi possa inventare il miglior espediente, ma come dice lui è come quando ti viene raccontata una barzelletta - la prima volta, ridi, la seconda tempo, potresti ridere di nuovo, ma il terzo scherzo è sparito perché lo sai già. Nulla di sostanza reale o tecnica magistrale viene fatto oggi, eppure l'arte contemporanea è in grado di sostenersi e persistere nel corso degli anni. '
Potrebbe essere la visione di Botero della funzione dell'arte che lo distingue da molti altri artisti contemporanei. Piuttosto che creare opere d'arte puramente fatte per scioccare e provocare una certa reazione, Botero cerca di fornire un senso di tranquillità e gioia attraverso gran parte della sua arte - come diceva l'artista stesso, "l'arte dovrebbe essere un'oasi, un luogo di rifugio da la durezza della vita. ' Questo punto di vista, tuttavia, non toglie nulla alla capacità di Botero di applicare il suo stile distinto a un tema più serio come quando descriveva la violenza alimentata dalla droga nella sua nativa Colombia e con il suo Abu Ghraib (2005). Questo serie di dipinti e disegni è stata ispirata da notizie di abusi e torture nel carcere iracheno di Abu Ghraib da parte delle forze statunitensi e ha suscitato un notevole sdegno, in particolare negli Stati Uniti.
Fernando Botero, Leda e il Cigno, Bronzo, 66,1 x 128,3 x 54,6 cm, Gary Nader Fine Art, 2007 | © Courtesy Gallery and Artist
Infatti, è proprio quando si creano opere d'arte che affrontano atrocità come questa che Botero sente che l'arte svolge una funzione vitale e una funzione che gli altri media non possono emulare. Come ha detto Botero della sua serie di Abu Ghraib: "l'arte è importante nel tempo. Porta una sorta di riflessione sulla questione. Abbiamo analizzato questa cosa da pagine e libri editoriali, ma in qualche modo questa visione di un artista completa quello che è successo. Rende visibile ciò che è invisibile, ciò che non può essere fotografato. In una foto, basta fare un clic, ma nell'arte devi mettere tanta energia. Questa concentrazione di energia e attenzione dice qualcosa che altri media non possono dire. '
Botero potrebbe aver ricevuto critiche, ma non si può negare il suo appello. La sua arte, con i suoi colori vibranti e i suoi soggetti voluttuosi, ha un certo magnetismo e un richiamo "all'uomo" che non è elitario o restrittivo. Suo figlio, Juan Carlos Botero, ha detto del lavoro di suo padre, "una delle convinzioni più importanti di Botero è che l'arte dovrebbe essere diretta nel suo significato: chiunque dovrebbe essere in grado di capirlo. Questo è uno dei suoi principi più forti come artista. Le persone "prendono" i suoi dipinti, i disegni e le sculture perché la sua arte è diretta. Non c'è bisogno di una spiegazione complementare di una terza parte per aiutare a decifrare, ammirare, apprezzare o semplicemente godersi il lavoro, come spesso accade nell'arte contemporanea. '
Fernando Botero, Bodegon con sopa de arvejas, Olio su tela, 183.2 x 193,7 cm, Gary Nader Fine Art, 1970 | © Gallery & Artist
Pittore e scultore di forme voluttuose, ammiratore degli antichi maestri e artista di "ogni uomo", Botero è ormai ottantenne ed è più prolifico che mai. Un avido creatore, ha prodotto migliaia di dipinti e centinaia di sculture e continuerà ad affascinare con il suo marchio di fabbrica di personaggi e oggetti. Come dice lo stesso Botero, "un artista non è mai completo"
