10 Artisti Contemporanei Femminili Dall'India Per Sapere
Shilpa Gupta
Esaminando una serie di temi dalla cultura del consumo al desiderio, sicurezza, religione, nazionalismo e diritti umani, le pratiche interdisciplinari di Shilpa Gupta utilizzano video interattivi, fotografia, installazione e performance art, spesso facendo affidamento sulla partecipazione del pubblico. Funzionando come un videogioco interattivo, la serie di proiezioni video intitolata Shadow (1, 2 e 3) incorpora le ombre simulate degli spettatori, catturate da una telecamera live. Le ombre vengono proiettate sullo schermo bianco e interagiscono con altre ombre create da oggetti, bambole, case, uccelli e altre figure che ballano, saltano e camminano. Gupta è una delle giovani generazioni di artisti indiani il cui lavoro risponde alle divisioni sociali postcoloniali del paese. Spesso sfoca, ridisegna e cancella i confini geopolitici, come in 100 mappe disegnate a mano in India (2007-2008), comprendenti mappe disegnate a mano da spettatori a memoria, o lei lavoro senza titolo raffigurante una bandiera gialla con la scritta "Non c'è nessun confine qui".
Bharti Kher
Il stick-on, già pronto bindi - una decorazione tradizionale indiana sulla fronte - è centrale alla pratica di Bharti Kher, e invita significati ambivalenti, oscillando tra tradizione e modernità. Kher prospera la creazione di arte che descrive interpretazioni errate, equivoci, conflitti, molteplicità e contraddizioni, esplorando il dramma umano e la vita contemporanea. Il bindi appare nei suoi dipinti e nelle sue installazioni scultoree, sfidando il ruolo delle donne in un paese tradizionale e facendo riferimento al suo significato spirituale tradizionale del "terzo occhio". Il suo album da record The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) descrive un elefante morto o morente in vetroresina ricoperto di bindis lucenti . Il suo lavoro si intreccia con storie allegoriche, creature fantastiche, bestie magiche e mostri mistici, come si è visto in altri pezzi basati sugli animali come Misdemeanors . An Assence of an Assignable Causa (2007) è una replica a grandezza naturale del cuore di una balena blu, basata sull'immaginazione dell'artista, sottolinea l'idea romantica di un "grande cuore" e i misteri che legano il cuore ai concetti di amore, vita e morte.
Bharti Kher - Assenza di causa assegnabile | © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Con la carta come mezzo principale e un vocabolario minimale ricco di associazioni, Zarina Hashmi crea opere astratte che risuonano con le sue esperienze di vita dell'esilio e della spoliazione e il concetto di casa - che sia è personale, geografica, nazionale, spirituale o familiare. La sua opera contemplativa e poetica include incisioni su legno, incisioni, disegni e calchi in cartapesta. Le sue linee artigianali e calligrafiche costituiscono un elemento unificante nelle sue composizioni. La lingua è fondamentale per l'artista. Letters from Home (2004) presenta una serie di stampe basate su lettere di sua sorella Rani, che vive in Pakistan. In un'intervista video di Tate, Zarina racconta come ricevere quelle lettere l'ha aiutata a conservare un senso di identità. Urdu scritto a mano è sovrapposto a mappe e schemi di case e luoghi lontani, portando le ombre di momenti significativi e impressioni di luoghi rilevanti per la vita della sua famiglia.
Nalini Malani
Il concetto del limite trasceso è al centro di Nalini La pratica di Malani, che attinge dalla letteratura, dalla mitologia, dalla storia e dalla vita personale per creare arte con rilevanza in tutte le culture. Dai disegni ai dipinti, all'animazione proiettata, al gioco delle ombre, al video e al cinema, l'artista giustappone la tradizione con elementi modernisti per affrontare questioni urgenti relative alla società contemporanea. La sua famiglia è stata colpita dalla Partizione del 1947 - un tema caro a Malani, come visto in Ricordando Toba Tek Singh (1998) , un video ispirato al racconto di Sadat Hasan Manto con lo stesso titolo. Malani usa il simbolismo della morte di Bishen Singh - un paziente mentale che, rifiutandosi di trasferirsi in India durante la Partizione, muore in terra di nessuno tra i due confini. Malani, quindi, sta esplorando gli effetti della Partizione sulla vita delle persone e estende questa esplorazione all'effetto dei test nucleari a Pokhran, nel Rajasthan. L'interesse di Malani per Cassandra sta nella sua convinzione che ognuno di noi ha intuizioni e istinti. La sua mostra del 2014 intitolata Gift di Cassandra alla Vadehra Art Gallery si concentrava sulla possibilità che il genere umano prevedesse gli eventi del futuro e realmente "ascoltasse" ciò che accade intorno a loro.
Rina Banerjee
Un amore di sostanza, tessuto e consistenza, uniti all'esperienza di vivere in comunità di luoghi misti culturali / razziali, costituiscono la base per le opere poetiche multimediali di Rina Banerjee. Definisce la sua opera come un'esplorazione di "specifici momenti coloniali che reinventano il luogo e l'identità come complesse esperienze diasporiche intrecciate e talvolta surreali". Banerjee crea variopinti assemblaggi di tessuti, oggetti di moda, oggetti coloniali, arredi, tassidermia e materiali organici, provenienti da negozi di junk di New York e riconfigurati in oggetti intrisi di nuovo significato. Materiali insoliti includono alligatori tassidermici, lettini in legno, lische di pesce, uova di struzzo, piume e mobili antichi. Mentre l'ibridità delle sue opere riflette il suo background cosmopolita, il linguaggio visivo che crea è radicato nella mitologia e nelle fiabe. Take me, Take me ... to the Palace of Love (2003) è un'installazione che è stato mostrato al Musée Guimet di Parigi nel 2011. Articolando un discorso sulle sue origini e la visione dell'Oriente Orientalista dell'Oriente, comprendeva un padiglione di plastica rosa realizzato a forma di Taj Mahal per evocare una vista dell'India attraverso la rosa - occhiali colorati, caratteristici della presenza coloniale britannica in India - con un assemblaggio centrale di materiali "esotici".
Dayanita Singh
Creando curiose narrazioni della vita quotidiana attraverso il mezzo fotografico, Dayanita Singh dà espressione visiva ad un paesaggio che giustappone l'immaginazione dell'artista con il mondo reale. Le sue fotografie in bianco e nero sono presentate in un'installazione intitolata Museum, e nel suo media preferito: il libro. La carta ha un significato particolare per Singh. L'artista ritrae tutti, dalla classe superiore ai margini della società, dando una visione ampia dell'India contemporanea. Mona Ahmed è una figura ricorrente nel suo lavoro; sin dal loro primo incontro nel 1989 su una commissione per il London Times - un eunuco che viveva in un cimitero a Old Delhi, un doppio reietto respinto dalla sua famiglia e dalla comunità eunuco. Il ritratto di Singh di Mona è un'esplorazione di quelli con identità frammentate e una mancanza di senso di appartenenza, che è il soggetto del libro Myself Mona Ahmed . Singh's House of Love sfoca la linea tra il libro fotografico e la narrativa letteraria, con immagini accompagnate da poesia e prosa che narrano nove racconti. I "musei" portatili, come il File Museum (2013) o il Museum of Chance (2014), sono grandi strutture in legno che possono essere disposte in diverse configurazioni, tenendo tra 70 a 140 fotografie. Questa 'foto-architettura', come Singh la chiama, le permette di visualizzare, modificare e archiviare all'infinito immagini.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat spesso incorpora più di un mezzo in una singola opera d'arte. L'opera di Kallat si impegna con i cicli infiniti della natura e la fragilità della condizione umana, riflettendo i continui cambiamenti tra nascita, morte e rinascita; costruzione e collasso, sconfitta e rinascita. Lavora frequentemente con nomi registrati o registrati ufficialmente - di persone, oggetti o monumenti che sono andati persi o sono scomparsi senza lasciare traccia. Un motivo ricorrente nella sua pratica è il timbro di gomma, un simbolo di controllo e dell'apparato burocratico - uno "stato senza volto" che oscura e conferma le identità. Kallat utilizza i timbri in gomma dal 2003, investendo le sue opere con ironia. In Falling Fables, ha usato francobolli con gli indirizzi dei monumenti mancanti protetti sotto il National Geographic Survey of India, creando forme di rovine architettoniche, portando l'attenzione sullo stato di collasso e frattura dalla memoria collettiva che sta accadendo in India e nel mondo di oggi. Nel 2013, ha creato Untitled (Cobweb / Crossings) , una ragnatela sulla facciata del Bhau Daji Lad Museum di Mumbai. La sua creazione comprendeva una tonnellata di timbri che riportavano i precedenti nomi delle strade che circondavano il museo e che mettevano in luce le storie perse. Kallat ha usato in precedenza il motivo del web per interagire con le questioni migratorie e con coloro che lo controllano. In "Untitled (Map / Drawing)", una mappa intricata del mondo realizzata con fili e accessori elettrici traccia i percorsi migratori spesso nascosti dei lavoratori.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Dettagli | © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Attraverso la fotografia e l'installazione scultorea, Hema Upadhyay si impegna con le nozioni di identità personale, appartenenza, dislocazione, nostalgia e genere, riflettendo sullo stato contemporaneo di Mumbai - una metropoli con il suo multiculturalismo risultante dai movimenti migratori. Un lavoro autobiografico ricorrente include immagini di se stessa, come se stesse cercando il proprio posto all'interno della città, a cui è stata costretta a migrare con la sua famiglia durante la Partizione. Nella sua prima mostra personale, Sweet Sweat Memories (2001), ha presentato opere che parlano di sentimenti di alienazione e perdita. La serie comprendeva fotografie in miniatura di se stessa incollate su dipinti che rappresentavano le prospettive aeree e subalterne di Mumbai come una travolgente nuova città.
Sheela Gowda
Incorporando scultura, installazioni artistiche e fotografia che mostrano l'India urbana e rurale, Sheela Gowda crea opere utilizzando materiali di uso quotidiano, inclusi oggetti e materiali riciclati e trovati come sterco di vacca, rosso kumkum (curcuma), incenso, capelli umani, foglia d'oro, coloranti cerimoniali e materiali domestici come fibre di cocco, aghi, fili e cavo. La pratica di Gowda fa molto affidamento sul suo processo, che offusca i confini tra arte e artigianato e mette in discussione il ruolo della soggettività femminile nel contesto di religione, nazionalismo e violenza che costituisce l'India contemporanea. E Ditegli del mio Dolore (2001) impiegava oltre 100 metri di filo arrotolato tinto con rosso kumkum, sospeso e drappeggiato attraverso lo spazio per formare un disegno tridimensionale. Il lavoro fa riferimento alla cultura speziata indiana e all'industria tessile - tradizionalmente parte dell'esperienza vissuta da una donna - per evidenziare il dolore della vita domestica femminile in una società patriarcale.
Pushpamala N
Attraverso la fotografia, le performance e la video arte, Pushpamala N critica lo stereotipo socio-culturale femminile indiano e la classificazione riduttiva della documentazione etnografica. Formatosi come scultore, Pushpamala si è dedicato alla fotografia e alla performance negli anni '90 per esplorare il suo interesse per le narrazioni. Usando elementi di cultura popolare e tradizione, esamina le nozioni di luogo, genere e storia. La sua mostra di riferimento, Scavi, presentava assemblaggi di carte e materiali scartati che cercavano di guardare alla storia contemporanea come a un sito archeologico. Le "foto-romance" di Pushpamala la vedono come soggetto in vari ruoli, con immagini prese a prestito dalla cultura popolare, dalla mitologia e dai riferimenti storici, esplorando umoristicamente le complessità della società contemporanea e della vita urbana dell'India. Dalle storie di fantasmi ai romanzi sentimentali e ai ritratti etnografici, Pushpamala mette in discussione le nozioni di femminilità, nazione, nativo, ricchezza contro povertà e città immaginate.
Pushpamala N. | © Shiv Ahuja / WikiCommons
