I 10 Imperdibili Opere Da Vedere A Tate Britain

Tate Britain racconta storia unica dell'incredibile contributo britannico all'arte, che si tratti dei dipinti romantici dei preraffaelliti o di altre critiche contemporanee della nostra società. Ecco la nostra guida agli highlights salienti che chiamano questa galleria home.

Ophelia - Sir John Everett Millais, 1851-2

L'ossessionante rappresentazione di Millais di questa eroina condannata di Shakespeare è a dir poco iconica. Cattura il momento da Amleto quando Ophelia, impazzita dal fatto che il suo amante ha ucciso suo padre, si annega in un ruscello. È circondata da una serie di fiori simbolici, con violette che indicano la castità, la morte di papaveri e salici, l'innocenza delle ortiche e delle margherite. Come membro della Confraternita dei preraffaelliti, Millais si è dedicata all'osservazione della bellezza naturale nel mondo che ci circonda, ma anche nei panni di donne bellissime. Elizabeth Siddal (che in seguito sposò Rossetti) si modellò per il dipinto. Fu costretta a posare per un periodo di quattro mesi, sdraiata in un bagno d'acqua. L'esperienza la portò a contrarre un freddo così grave che suo padre minacciò di far causa, a meno che l'artista non pagasse le sue spese mediche.

Sir John Everett Millais, Ofelia, 1851-2 | Courtesy Tate

Drappeggiato Donna Seduta - Henry Moore, 1957-8

Con il suo bellissimo drappeggio questa scultura richiama l'antica antichità, mentre impone anche il filone del modernismo specifico di Moore. È uno dei molti modelli che presentano una figura con proporzioni distorte, con un busto troppo largo e una testa a forma di blocco. L'insolita posa congelata era un esercizio di formalismo e ha più di un cenno ai Marmi di Elgin. Entrambi condividono un senso di movimento simile alla vita, come se fossero stati congelati nel tempo.

Henry Moore, Draped Seated Woman, 1957-8. Prestato da una collezione privata 1989. Sul prestito a lungo termine a Tate | © La Fondazione Henry Moore. Tutti i diritti riservati. Collezione privata

Sedia - Allen Jones, 1969

La controversa serie di "mobili" dell'artista britannico ha causato indignazione per la sua feticizzazione del corpo femminile, da quando i tre pezzi furono esposti per la prima volta nel 1970. Insieme a Chair, l'artista ha prodotto un tavolo e una cappelliera, presentando manichini grandi e prosperosi in pose altrettanto erotiche. Il primo è diventato il più infame a causa del fatto che è stato vandalizzato con spogliarellista durante la mostra Tate del 1986 Quarant'anni di arte moderna . La scultura ha ancora la capacità di scioccare oggi, con alcuni che sostengono che simboleggia l'oppressione femminile, mentre altri la considerano un oggetto importante nel canone della storia dell'arte.

Allen Jones, Chair, 1969 | Tate © Allen Jones

The Pond - LS Lowry, 1950

Il nome LS Lowry è sinonimo di scene industriali inglesi popolate con i suoi caratteristici "fiammiferi". Sebbene i suoi dipinti fossero radicati nel realismo, raffiguranti le comunità ordinarie di vite nelle città del Nord urbane dominate dalle fabbriche, in realtà preferiva lavorare direttamente su una tela bianca, costruendo motivi mentre procedeva. L'artista ha descritto la pittura di questo lavoro: "Non avevo la minima idea di cosa avrei intenzione di mettere nella tela quando ho iniziato la foto, ma alla fine è uscita come la vedi tu. Questo è il modo in cui mi piace lavorare meglio ".

L S Lowry, The Pond, 1950 | Tate © La tenuta di LS Lowry

Hope - George Frederic Watts, 1886

Nonostante il suo titolo ottimista, questo dipinto è pieno di ambiguità. La figura bendata appare desolata o esausta, con in mano una lira che ha spezzato tutti tranne uno dei suoi archi. Watts era noto per la creazione di opere fantasmagoriche che trascendevano qualsiasi momento o luogo particolare, e qui questa donna isolata appare seduta in cima a un globo indistinguibile. È uno dei due pezzi allegorici creati dall'artista e dal suo assistente, ma questa seconda versione è stata ritenuta superiore a causa della meravigliosa espressione sul volto della donna, così come la rimozione di una piccola stella, che ha reso il simbolismo dell'opera troppo pesante- handed.

George Frederic Watts, Hope, 1886 | Tate. Presentato da George Frederic Watts 1897

Figura seduta - Francis Bacon, 1961

Oltre ad esporre i livelli più oscuri della mente, anche Bacon era interessato allo spazio pittorico. Come tale ha spesso impiegato un dispositivo di inquadratura che non solo isola il soggetto, ma invita anche lo spettatore a guardare oltre i regni della figurazione. Le caratteristiche facciali di questo modello anonimo contorto sono fortemente sovra-dipinte, portando a un volto sfaccettato e sfaccettato. Questo trattamento divenne un marchio dell'artista durante questo periodo e allude alla fragile fragilità dell'umanità.

Francis Bacon, Seated Figure, 1961. Tate, Presentato da J. Sainsbury Ltd 1961 | © Estate di Francis Bacon

L'angelo in piedi al sole - JMW Turner, 1846

Quando Turner entrò negli ultimi anni della sua vita si preoccupò delle nozioni di morte, così come delle storie bibliche di giusta punizione. Questo dipinto combina la sua gloriosa maestria di luce e colore, che era diventata causa di molte polemiche agli occhi dei suoi critici. Molti colleghi accademici reali consideravano la sua nuova fluidità volgare o volgare, ma Turner era devoto a questo nuovo modo di vedere il mondo. In questo lavoro l'Arcangelo Michele brandisce la sua spada, pronta a colpire i peccatori sottostanti. Il meraviglioso cielo turbinante sembra essere in fiamme, e Turner usa il tocco più leggero del suo pennello per alludere alle folle terrorizzate che tentano di fuggire dal caos inevitabile.

JMW Turner, L'angelo in piedi al sole, esposto 1846 | Courtesy Tate

A Bigger Splash - David Hockney, 1967

Quando Hockney arrivò per la prima volta in California un anno dopo essersi diplomato al Royal College of Art, fu sorpreso di scoprire che tutti avevano una piscina - un concetto sorprendente per un giovane uomo abituato a una vita fredda e austera in Gran Bretagna. Le piscine diventarono rapidamente un tema ricorrente per l'artista, poiché era affascinato dal tentativo di rappresentare l'acqua. Questo dipinto è il più grande dei tre lavori "splash", che ritraggono tutti l'architettura degli anni '60 unita a colori drammatici e audaci. L'opera è attualmente in mostra al Pompidou di Parigi e visiterà anche il Metropolitan Museum of Art, prima di tornare a casa.

The Rescue of Andromeda - Henry C Fehr, 1893

Questa scultura drammatica raffigura la leggenda greca al momento in cui Perseo salva Andromeda dall'essere divorata da un mostro marino. Tiene la testa mozzata di Medusa, che ha il potere di trasformare qualsiasi creatura in pietra con il suo sguardo, così come un grosso pugnale. L'insolita composizione equilibra ciascuna delle tre figure l'una sull'altra, con la povera Andromeda incatenata a una roccia, sotto la battaglia. A causa delle dimensioni della scultura fu spostato permanentemente all'esterno nel 1911, con grande costernazione dell'artista.

'The Rescue of Andromeda', 1893, Henry C Fehr | Presentato dai Trustees of the Chantrey Bequest 1894

No Woman, No Cry - Chris Ofili, 1998

Questo enorme dipinto è un tributo alla madre di Stephen Lawrence, assassinato in un attacco razzista nel 1993; vinse il premio Ofili the Turner cinque anni dopo. Il profilo piangente di Doreen Lawrence è ambientato su uno sfondo creato da collage di riproduzioni di un dipinto di Bridget Riley e ognuna delle sue grandi lacrime contiene un'immagine di suo figlio. La tela è appoggiata su due grandi pezzi di sterco di elefante, un materiale che Ofili ha usato ampiamente nei suoi primi lavori. Oltre a ricordare un evento specifico e terrificante, il brano allude anche al dolore universale.

Chris Ofili, No Woman, No Cry 1998 | Foto: Tate. © Chris Ofili